El martes 30 de junio y el martes 14 de julio el grupo pinjasproducciones, realizarán sus primeras grabaciones.
Debido al receso escolar la fecha del 14 de julio será pasada al 04 de agosto.
miércoles, 17 de junio de 2009
SIN USO DE AMBITOS DE PRODUCCION MUSICAL
EL MARTES 7 de JULIO NO SE PODRAN REALIZAR ACTIVIDADES DE PROYECTO FINAL EN LOS AMBITOS DE PRODUCCION MUSICAL, DEBIDO A QUE ESE DÍA SE REALIZAN LOS SEMINARIOS IVO PARA ELECCION DE ESPECIALIDAD.
martes, 16 de junio de 2009
Cronograma de Grabacion estudio
Martes 16 y martes 23 a las 10:55 horas y viernes 26 a las 12:15 horas del grupo klapauciusp.
lunes, 1 de junio de 2009
Informe De Grabacion (trabajo conjunto Apkiewicz-Paolini)
Grabación.
Camino de la señal.
Elementos:
· Guitarra (Micrófono al amplificador).
· Bajo (Por línea).
· Voz.
· Redoblante.
· HI HAT.
· Aéreos 1.
· Aéreos 2.
· TOM 1.
· TOM 2.
· TOM 3.
· RIDE.
· Bombo.
La grabación no es por simultáneo, si no cada instrumento por separado a excepción del bajo y los elementos de la batería.
Conectamos los micrófonos a la pachera de la sala y seleccionamos en la mixer mic o line según corresponda.
El monitoreo: Se mandan los elementos a monitorear a través del bus auxiliar. En la sala conectamos la caja de auriculares a las entradas de auriculares luego de pachearlo a esa entrada desde el control room.
Seleccionamos los canales a los sub masters que están normalizados a los canales de Pro Tools y seleccionamos las vueltas a otros canales. Esos últimos son mandados por el master para el monitoreo en el control room.
Técnicas de microfoneo:
Platillos (aéreos): Uno o más micrófonos son necesarios para reproducir, detalladamente, las transientes de alta frecuencia de los platillos, y para proveer un sonido del conjunto de la batería. Debido a las transientes, usualmente se eligen micrófonos de condensador por las características de su respuesta en las altas frecuencias. A pesar de que la elección de la posición de los micrófonos es muy subjetiva, existen dos métodos muy populares: el posicionamiento de 3 a 1, y el coincidente.
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de 3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de 3 cm. El micrófono debe ser apuntado para alcanzar la mejor separación de los otros cuerpos de la batería y los platillos. Es común que estos micrófonos sean cardiodes o hipercardiodes, con su ángulo de rechazo orientado al Hi-Hat o los toms, según las necesidades de separación. En determinados casos o estilos musicales, es necesario tener el sonido de la bordona un poco más presente en el sonido general. Esto puede obtenerse poniendo otro micrófono en la parte de abajo del tambor apuntando hacia arriba. Como el parche de abajo vibra con fase inversa al superior (180º), puede ser conveniente aplicar el inversor de fase en éste micrófono.
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de 3 cm sobre el aro. Esto da un sonido con ataque y poco tono, con menos resonancia del cuerpo. Esta distancia puede extenderse hasta 10cm, dando un sonido más vivo. Cuando es tomado por debajo del cuerpo, sin el parche inferior, se obtiene un sonido con menos ataque y con más tono. En caso de ser necesario para los toms de pie, se recomienda colocar el micrófono unos 3 o 4 centímetros más lejos, para captar un sonido más vivo y lleno.
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Camino de la señal.
Elementos:
· Guitarra (Micrófono al amplificador).
· Bajo (Por línea).
· Voz.
· Redoblante.
· HI HAT.
· Aéreos 1.
· Aéreos 2.
· TOM 1.
· TOM 2.
· TOM 3.
· RIDE.
· Bombo.
La grabación no es por simultáneo, si no cada instrumento por separado a excepción del bajo y los elementos de la batería.
Conectamos los micrófonos a la pachera de la sala y seleccionamos en la mixer mic o line según corresponda.
El monitoreo: Se mandan los elementos a monitorear a través del bus auxiliar. En la sala conectamos la caja de auriculares a las entradas de auriculares luego de pachearlo a esa entrada desde el control room.
Seleccionamos los canales a los sub masters que están normalizados a los canales de Pro Tools y seleccionamos las vueltas a otros canales. Esos últimos son mandados por el master para el monitoreo en el control room.
Técnicas de microfoneo:
Platillos (aéreos): Uno o más micrófonos son necesarios para reproducir, detalladamente, las transientes de alta frecuencia de los platillos, y para proveer un sonido del conjunto de la batería. Debido a las transientes, usualmente se eligen micrófonos de condensador por las características de su respuesta en las altas frecuencias. A pesar de que la elección de la posición de los micrófonos es muy subjetiva, existen dos métodos muy populares: el posicionamiento de 3 a 1, y el coincidente.
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de 3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de 3 cm. El micrófono debe ser apuntado para alcanzar la mejor separación de los otros cuerpos de la batería y los platillos. Es común que estos micrófonos sean cardiodes o hipercardiodes, con su ángulo de rechazo orientado al Hi-Hat o los toms, según las necesidades de separación. En determinados casos o estilos musicales, es necesario tener el sonido de la bordona un poco más presente en el sonido general. Esto puede obtenerse poniendo otro micrófono en la parte de abajo del tambor apuntando hacia arriba. Como el parche de abajo vibra con fase inversa al superior (180º), puede ser conveniente aplicar el inversor de fase en éste micrófono.
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de 3 cm sobre el aro. Esto da un sonido con ataque y poco tono, con menos resonancia del cuerpo. Esta distancia puede extenderse hasta 10cm, dando un sonido más vivo. Cuando es tomado por debajo del cuerpo, sin el parche inferior, se obtiene un sonido con menos ataque y con más tono. En caso de ser necesario para los toms de pie, se recomienda colocar el micrófono unos 3 o 4 centímetros más lejos, para captar un sonido más vivo y lleno.
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Informe de sonido en vivo por Tom Apkiewicz
Para realizar el sonido en vivo es necesario tener en cuenta los siguientes:
Micrófonos
Cuánto dinero quiere gastar, dónde piensa usar su micrófono y para qué son las mayores consideraciones al momento de elegir entre dos tipos principales.
1. Dinámicos
Los micrófonos más comunes para configuraciones de música en vivo, los dinámicos, no requieren una fuente de energía o baterías para funcionar y son extremadamente duraderos. Los dinámicos pueden soportar altos niveles de presión de sonido, pero no funcionan bien con sonidos de alta frecuencia, silenciosos o distantes.
Cuando se usan en grabaciones, generalmente se usan con guitarras eléctricas, baterías y bajos.
2. Condensadores
Son livianos y eficientes para traducir señales en sonido. Los más grandes se usan más para voces porque ofrecen un sonido favorecedor, cálido, mientras que los condensadores más pequeños se usan cuando se necesitan frecuencias altas y precisión.
3. Modelos
Antes de comprar, pregúntese "¿voy a usar el micrófono para grabar, cantar o amplificar el sonido de un instrumento?" De ahí, verifique las recomendaciones de los fabricantes y de los expertos de modelos individuales diseñados con ese uso en mente. Puntos importantes para comparar de modelo a modelo: frecuencia, sensibilidad y restricciones.
Auriculares
1. Circumaural (Grandes)
Circumaural se refiere al modo en el cual los auriculares cubren sus oídos, en este caso, los rodea y los cubre con grandes auriculares acolchonados. Vienen en ambos modelos abiertos y cerrados.
2. Supra-aural (Chiquitos)
Estos auriculares se colocan sobre sus oídos y generalmente son más livianos y más cómodos de usar. Sin embargo, al no ofrecer demasiado aislamiento, si es que ofrecen algo, generalmente se usan en una configuración informal para escuchar o grabar música.
3. Entradas y calidad
Del mismo modo que con su interfaz de audio, asegúrese de contar con suficientes entradas para todos los micrófonos de los cuales está grabando. Y una vez más, cuanto más alta sea la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo de su grabador, mejor será la calidad y el verdadero sonido que grabará.
3. Parte trasera abierta
También llamadas aire libre, las partes traseras de los auriculares son abiertas y no aislantes. Dado a que permiten que los sonidos entren y salgan, no son una buena opción para la grabación en estudio. Sin embargo, le sirven a los DJ que quieren escuchar los sonidos circundantes al mismo tiempo que escuchan la música que están mezclando. Su sonido liviano mantiene la fatiga auditiva al mínimo así que pueden ser usados por períodos prolongados.
4 Cerrados
También llamados sellados, los auriculares están completamente cerrados y aíslan el sonido que pasa a través de los auriculares. Es ideal para grabar porque los sonidos no se filtran, que luego puedan ser captados por micrófonos cercanos; y por DJ que prefieren eliminar sonidos que los distraigan. Son conocidos por causar fatiga auditiva así que generalmente no se los usa por largos períodos de tiempo.
Mezcladores PA
Los mezcladores son un componente importante en un sistema PA. Puede sacar su sonido sin uno, pero puede afinar y controlar el sonido mucho más con uno. Piense en cuántas capacidades de enrutamiento necesita (la entrada y salida de cables y equipos) y luego vaya a comprar uno.
1. Analógico
Analógico no quiere decir antiguo. Muchas personas todavía son fanáticas de un sonido cálido, una respuesta inmediata y de los atenuadores dedicados que estos mezcladores con tablero de circuito ofrecen. Quienes quieren obtener mezclas simples, o quienes tienen muchos sintetizadores están a favor de los análogos.
2. Digitales
Un beneficio clave de los mezcladores digitales es su habilidad de programación. Puede guardar configuraciones de varios eventos, sesiones, inclusive de una canción a la otra y luego recordarlas fácilmente. También son pequeños y livianos, logrando que sean bastante portátiles, y la calidad de sonido ha mejorado durante los últimos años. A pesar de que los mezcladores digitales le brindan la opción de grabar su interpretación con rapidez, no puede realizar ajustes de la calidad de sonido tan rápido como en un analógico.
3. Activos
Los mezcladores activos son básicamente analógicos con mayor amplificación. Ofrecen el mismo tono cálido sin resonancia digital y son más portátiles. Además, son más rápidos y simples de ajustar y más duraderos.
Aunque tiene menos controles y obtiene una menor potencia que con un amplificador separado incorporado a un analógico, un mezclador activo de alta calidad es una buena opción para músicos que toquen en pequeños eventos; obtiene una combinación todo en uno con un mezclador, efectos y potencia a los altavoces.
Amplificadores de potencia
Los altavoces de un sistema PA se llevan toda la gloria, pero necesitan un amplificador de potencia para lucir sus habilidades. El amplificador de potencia adecuado debería elegirse junto con los altavoces, y aquí hay algunas consideraciones.
1. Vatios
Necesita asegurarse de que su amplificador de potencia pueda proporcionar tantos vatios como requiere el altavoz; algunos expertos sugieren que su amplificador debería producir el doble del promedio de vatios que el altavoz dice poder manejar. Los altavoces que obtienen muy poca potencia se dañan más que los que obtienen mucha.
2. Ohmios
La mayoría de los amplificadores de potencia de audio están diseñados para funcionar con 4, 8 o 16 ohmios de resistencia y la clasificación de ohmios de su amplificador de potencia debería coincidir con la de sus altavoces.
3. Cable
Al conectar el amplificador de potencia al altavoz es mejor usar un cable amplio dada la cantidad de electricidad que pasa de uno a otro. El amplificador tiene menos tensión y el sonido se transporta mejor a través de un cable ancho.
4. Mantenimiento
Al alimentar su sistema, el amplificador de potencia debería ser lo último que encienda y lo primero que apague para prevenir daños a los equipos conectados al mismo.
Altavoces
Al final, todo depende de los altavoces. Después de todo, es a donde todos recurren para escuchar el sonido. Sólo recuerde que no necesita llenar un escenario; siempre puede agregar altavoces a su sistema según lo necesite.
1. Vatios
Eventos de músicos con reservaciones para centenares de personas pueden requerir altavoces de 500 a 1,000 vatios o más. Pero para quienes toquen en su casa o en pequeñas actuaciones en una cafetería, de 300 a 500 vatios en un altavoz deberían ser suficientes.
2. Altavoces PA activos
Los altavoces activos pueden ser una opción conveniente ya que proveen todo lo que necesita en un solo gabinete. Eliminan las molestias de transportar amplificadores y cables pesados y tampoco se tiene que preocupar por hacer coincidir el amplificador de potencia con el altavoz. Sólo recuerde que requieren accesos a salidas eléctricas adicionales.
3. Subwoofer
Se usa para cuando se requiere una óptima reproducción de los sonidos de baja frecuencia.
Otro dato interesante que encontré fue como eliminar el feedback del monitoreo:
Para hacer esto es necesario tener el equipamiento adecuado, al escuchar el acople que se genera en el monitoreo uno debe usar su oído para registrar la frecuencia o de no ser habil al registrar frecuencias se puede usar un RTA ( Analiador en Tiempo Real). Una vez identificada la frecuencia se debe aplicar un filtro Notch, de Q pequeña y reducir 5 Db esa banda. Si la ecualizacion no sirve para eliminar el feedback se deberia reconsiderar rehacer el nivel de la ganancia de todos los canales.
Mezclar en vivo:
Al realizar mi investigación me tope con información que me nutrió acerca de la mezcla de sonido en vivo:
Para empezar, hay que tener en cuenta ciertos aspectos característicos del recinto en el cual ocurrirá el evento, como por ejemplo, la dimensión del mismo, la capacidad de aislamiento de las paredes, la forma del recinto para tener en cuenta los rebotes y la cantidad de gente que va a estar espectando.
Hay que tener en cuenta también que uno quiere amplificar los sonidos que no se oyen fácilmente en el recinto, como una voz, un bajo o una flauta por ejemplo, y no amplificar lo que no requiere amplificación, como una batería en un ambiente pequeño por ejemplo.
Preparacion y operación de maquinaria tecnologica para evento musical:
Al ver un show multimedial con sonido en vivo, uno observa que hay equipos, mezcladoras, amplificadores, micrófonos, altavoces y muchos cables distribuidos, pero para que todo llegue a su lugar y este en orden para funcionar se requiere una serie de pasos anteriores que son los siguientes:
Hacer una lista del equipamiento necesario para el evento
Revisar que este todo en condiciones
Transportar los equipos desde el deposito de equipos hasta el lugar donde va a formar parte el evento
Ubicar los equipos donde corresponden, teniendo en cuenta distancia entre instrumento y mixer en relacion a el largo de los cables y la distancia entre equipo y tension en relacion a la cantidad de zapatillas.
Enchufar a tension todos los equipos, conectar los instrumentos a los canales de la consola, los altavoces principales (para que escuche la gente) al Output Master, el monitoreo enviado por los auxiliares por la salida de auxiliar y si se va a grabar en una grabadora se envian los canales a grabar a los submasters y la salida del submaster a la entrada de la grabadora.
Se prenden los equipos, se prueba sonido, se deja la consola configurada para la ejecución en vivo ajustando el volumen a cada instrumento y ajustando la preamplificación a los micrófonos para que suenen con nivel pero que no saturen.
En caso de conectar procesadores, estos se usan a través de los auxiliares (por envío) y volver a la consola, o pueden ser por inserción y conectarlos directamente al canal deseado.
Micrófonos
Cuánto dinero quiere gastar, dónde piensa usar su micrófono y para qué son las mayores consideraciones al momento de elegir entre dos tipos principales.
1. Dinámicos
Los micrófonos más comunes para configuraciones de música en vivo, los dinámicos, no requieren una fuente de energía o baterías para funcionar y son extremadamente duraderos. Los dinámicos pueden soportar altos niveles de presión de sonido, pero no funcionan bien con sonidos de alta frecuencia, silenciosos o distantes.
Cuando se usan en grabaciones, generalmente se usan con guitarras eléctricas, baterías y bajos.
2. Condensadores
Son livianos y eficientes para traducir señales en sonido. Los más grandes se usan más para voces porque ofrecen un sonido favorecedor, cálido, mientras que los condensadores más pequeños se usan cuando se necesitan frecuencias altas y precisión.
3. Modelos
Antes de comprar, pregúntese "¿voy a usar el micrófono para grabar, cantar o amplificar el sonido de un instrumento?" De ahí, verifique las recomendaciones de los fabricantes y de los expertos de modelos individuales diseñados con ese uso en mente. Puntos importantes para comparar de modelo a modelo: frecuencia, sensibilidad y restricciones.
Auriculares
1. Circumaural (Grandes)
Circumaural se refiere al modo en el cual los auriculares cubren sus oídos, en este caso, los rodea y los cubre con grandes auriculares acolchonados. Vienen en ambos modelos abiertos y cerrados.
2. Supra-aural (Chiquitos)
Estos auriculares se colocan sobre sus oídos y generalmente son más livianos y más cómodos de usar. Sin embargo, al no ofrecer demasiado aislamiento, si es que ofrecen algo, generalmente se usan en una configuración informal para escuchar o grabar música.
3. Entradas y calidad
Del mismo modo que con su interfaz de audio, asegúrese de contar con suficientes entradas para todos los micrófonos de los cuales está grabando. Y una vez más, cuanto más alta sea la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo de su grabador, mejor será la calidad y el verdadero sonido que grabará.
3. Parte trasera abierta
También llamadas aire libre, las partes traseras de los auriculares son abiertas y no aislantes. Dado a que permiten que los sonidos entren y salgan, no son una buena opción para la grabación en estudio. Sin embargo, le sirven a los DJ que quieren escuchar los sonidos circundantes al mismo tiempo que escuchan la música que están mezclando. Su sonido liviano mantiene la fatiga auditiva al mínimo así que pueden ser usados por períodos prolongados.
4 Cerrados
También llamados sellados, los auriculares están completamente cerrados y aíslan el sonido que pasa a través de los auriculares. Es ideal para grabar porque los sonidos no se filtran, que luego puedan ser captados por micrófonos cercanos; y por DJ que prefieren eliminar sonidos que los distraigan. Son conocidos por causar fatiga auditiva así que generalmente no se los usa por largos períodos de tiempo.
Mezcladores PA
Los mezcladores son un componente importante en un sistema PA. Puede sacar su sonido sin uno, pero puede afinar y controlar el sonido mucho más con uno. Piense en cuántas capacidades de enrutamiento necesita (la entrada y salida de cables y equipos) y luego vaya a comprar uno.
1. Analógico
Analógico no quiere decir antiguo. Muchas personas todavía son fanáticas de un sonido cálido, una respuesta inmediata y de los atenuadores dedicados que estos mezcladores con tablero de circuito ofrecen. Quienes quieren obtener mezclas simples, o quienes tienen muchos sintetizadores están a favor de los análogos.
2. Digitales
Un beneficio clave de los mezcladores digitales es su habilidad de programación. Puede guardar configuraciones de varios eventos, sesiones, inclusive de una canción a la otra y luego recordarlas fácilmente. También son pequeños y livianos, logrando que sean bastante portátiles, y la calidad de sonido ha mejorado durante los últimos años. A pesar de que los mezcladores digitales le brindan la opción de grabar su interpretación con rapidez, no puede realizar ajustes de la calidad de sonido tan rápido como en un analógico.
3. Activos
Los mezcladores activos son básicamente analógicos con mayor amplificación. Ofrecen el mismo tono cálido sin resonancia digital y son más portátiles. Además, son más rápidos y simples de ajustar y más duraderos.
Aunque tiene menos controles y obtiene una menor potencia que con un amplificador separado incorporado a un analógico, un mezclador activo de alta calidad es una buena opción para músicos que toquen en pequeños eventos; obtiene una combinación todo en uno con un mezclador, efectos y potencia a los altavoces.
Amplificadores de potencia
Los altavoces de un sistema PA se llevan toda la gloria, pero necesitan un amplificador de potencia para lucir sus habilidades. El amplificador de potencia adecuado debería elegirse junto con los altavoces, y aquí hay algunas consideraciones.
1. Vatios
Necesita asegurarse de que su amplificador de potencia pueda proporcionar tantos vatios como requiere el altavoz; algunos expertos sugieren que su amplificador debería producir el doble del promedio de vatios que el altavoz dice poder manejar. Los altavoces que obtienen muy poca potencia se dañan más que los que obtienen mucha.
2. Ohmios
La mayoría de los amplificadores de potencia de audio están diseñados para funcionar con 4, 8 o 16 ohmios de resistencia y la clasificación de ohmios de su amplificador de potencia debería coincidir con la de sus altavoces.
3. Cable
Al conectar el amplificador de potencia al altavoz es mejor usar un cable amplio dada la cantidad de electricidad que pasa de uno a otro. El amplificador tiene menos tensión y el sonido se transporta mejor a través de un cable ancho.
4. Mantenimiento
Al alimentar su sistema, el amplificador de potencia debería ser lo último que encienda y lo primero que apague para prevenir daños a los equipos conectados al mismo.
Altavoces
Al final, todo depende de los altavoces. Después de todo, es a donde todos recurren para escuchar el sonido. Sólo recuerde que no necesita llenar un escenario; siempre puede agregar altavoces a su sistema según lo necesite.
1. Vatios
Eventos de músicos con reservaciones para centenares de personas pueden requerir altavoces de 500 a 1,000 vatios o más. Pero para quienes toquen en su casa o en pequeñas actuaciones en una cafetería, de 300 a 500 vatios en un altavoz deberían ser suficientes.
2. Altavoces PA activos
Los altavoces activos pueden ser una opción conveniente ya que proveen todo lo que necesita en un solo gabinete. Eliminan las molestias de transportar amplificadores y cables pesados y tampoco se tiene que preocupar por hacer coincidir el amplificador de potencia con el altavoz. Sólo recuerde que requieren accesos a salidas eléctricas adicionales.
3. Subwoofer
Se usa para cuando se requiere una óptima reproducción de los sonidos de baja frecuencia.
Otro dato interesante que encontré fue como eliminar el feedback del monitoreo:
Para hacer esto es necesario tener el equipamiento adecuado, al escuchar el acople que se genera en el monitoreo uno debe usar su oído para registrar la frecuencia o de no ser habil al registrar frecuencias se puede usar un RTA ( Analiador en Tiempo Real). Una vez identificada la frecuencia se debe aplicar un filtro Notch, de Q pequeña y reducir 5 Db esa banda. Si la ecualizacion no sirve para eliminar el feedback se deberia reconsiderar rehacer el nivel de la ganancia de todos los canales.
Mezclar en vivo:
Al realizar mi investigación me tope con información que me nutrió acerca de la mezcla de sonido en vivo:
Para empezar, hay que tener en cuenta ciertos aspectos característicos del recinto en el cual ocurrirá el evento, como por ejemplo, la dimensión del mismo, la capacidad de aislamiento de las paredes, la forma del recinto para tener en cuenta los rebotes y la cantidad de gente que va a estar espectando.
Hay que tener en cuenta también que uno quiere amplificar los sonidos que no se oyen fácilmente en el recinto, como una voz, un bajo o una flauta por ejemplo, y no amplificar lo que no requiere amplificación, como una batería en un ambiente pequeño por ejemplo.
Preparacion y operación de maquinaria tecnologica para evento musical:
Al ver un show multimedial con sonido en vivo, uno observa que hay equipos, mezcladoras, amplificadores, micrófonos, altavoces y muchos cables distribuidos, pero para que todo llegue a su lugar y este en orden para funcionar se requiere una serie de pasos anteriores que son los siguientes:
Hacer una lista del equipamiento necesario para el evento
Revisar que este todo en condiciones
Transportar los equipos desde el deposito de equipos hasta el lugar donde va a formar parte el evento
Ubicar los equipos donde corresponden, teniendo en cuenta distancia entre instrumento y mixer en relacion a el largo de los cables y la distancia entre equipo y tension en relacion a la cantidad de zapatillas.
Enchufar a tension todos los equipos, conectar los instrumentos a los canales de la consola, los altavoces principales (para que escuche la gente) al Output Master, el monitoreo enviado por los auxiliares por la salida de auxiliar y si se va a grabar en una grabadora se envian los canales a grabar a los submasters y la salida del submaster a la entrada de la grabadora.
Se prenden los equipos, se prueba sonido, se deja la consola configurada para la ejecución en vivo ajustando el volumen a cada instrumento y ajustando la preamplificación a los micrófonos para que suenen con nivel pero que no saturen.
En caso de conectar procesadores, estos se usan a través de los auxiliares (por envío) y volver a la consola, o pueden ser por inserción y conectarlos directamente al canal deseado.
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