Al tener nuestro primer enfrentamiento con la grabación cruda del show realizado, reafirmamos que la calidad del sonido grabado fue óptimo y no contamos con problemas técnicos de sonido tales como saturación o ruido de micrófonos. Dado las características sonoras del conjunto, el rango dinámico de la señal a lo largo del show era demasiado amplio y nos percatamos de que nosotros, al escucharlo con parlantes profesionales en un recinto exento de ruidos externos del ambiente, pudimos apreciar los sonidos de menor presión sonora así que aplicamos compresores de señal en las pistas y de esta forma pudimos levantar la señal y lograr un sonido más nítido y cristalino. También le agregamos a las pistas de Cello y Clarinete una pequeña reverberancia que le agrego una sensación de profundidad bien definida. A las pistas de percusión decidimos no agregarle reverberancia porque ya tenía incluida la reverberancia natural del auditorio donde fue grabada. También tuvimos que ecualizar diferentes cosas, por ejemplo, al clarinete le atenuamos una banda de frecuencias que resonaban y molestaban al oído. Al Cello tuvimos que bajarle un poco los graves y realzarle un poco los medios porque sonaba poco claro y de esta forma logramos que tenga mas presencia.
Uno de los miembros más relevantes Del conjunto se pasó por el estudio el martes pasado (20/10/09) y escuchó la primera mezcla terminada de todo el show. Tras su primer revisión del trabajo realizado, sus críticas fueron muy positivas. Nos felicitó a nosotros (Nico y Tom) por nuestro trabajo y expresó su emoción acerca de su idea de exportar el trabajo al extranjero para promocionar la banda. Luego de escucharlo una segunda vez nos marcó varios momentos del show donde ocurrieron errores de interpretación en los cuales hubo casos que pudimos corregirlo y casos donde hubo que descartar el tema.
A continuación nuestro trabajo se basa en separar los temas por sesiones y darle a cada uno una mezcla y un Mastering individual definitiva. Una vez terminada esa instancia se exportaran los temas en un Dvd y habrá, en ese momento, concluido nuestra parte del proyecto.
Trabajo realizado por Tom Apkiewicz (27/10/09)
martes, 27 de octubre de 2009
Informe de la grabación en vivo de "El fin del mundo"
Días antes del día de la grabación nos encontrábamos con problemas en el funcionamiento de la Digi02 , ya que las computadoras no detectaban la presencia de la misma. Se pensó en usar otra interfase de grabación pero no alcanzaban los canales que precisábamos grabar. Afortunadamente con la ayuda de Ernesto Romeo, se consiguió una Digi02 que terminó por ser utilizada el día de la grabación.
Una vez con los equipos en el auditorio de Yatay, conectamos la Mac, la Digi02, y aunque finalmente no fue usado, conectamos el Adat. Utilizamos una manguera para así conectar la digi con la consola que pertenece al auditorio de Yatay. Una vez hecho el conexionado en la sala de control del auditorio, se optó por hacer la prueba de micrófonos donde tuvimos problemas de señal con algunos canales. Por ultimo, chequeamos la llegada de la señal en la Mac, asegurándonos así que estábamos listos para grabar.
Los músicos fueron llegando de a uno, primero el baterista, luego el clarinetista, y por ultimo el chelista. Al llegar el baterista, el mismo armó su batería con su acompañante para luego poder hacer el microfoneo del instrumento, y la prueba de sonido del mismo. Mientras realizábamos este proceso el clarinetista armó su instrumento, así que al finalizar con el baterista iniciamos la prueba con el clarinetista probando así diferentes variaciones en el microfoneo del instrumento. Al llegar el chelista, el mismo se posicionó y luego de hacer la prueba de su instrumento, se inició la prueba de sonido de la banda entera. Vale aclarar que mientras hacían la prueba de sonido, hicimos pruebas de grabación así de esta manera podíamos verificar que el sistema de grabación funcione correctamente y que los músicos estén conformes con el sonido logrado.
A la hora del show la luz se apagó dando así el comienzo del mismo. La grabación se logro casi sin picos, ni problemas. Al ver la pantalla de Pro Tools los profesores decían que la señal era demasiado pequeña y eso nos iba a ser un problema en el futuro, pero notamos que finalmente estaban equivocados ya que hoy en día la grabación tiene un buen rango dinámico.
Nicolás Ejchenbaun
Una vez con los equipos en el auditorio de Yatay, conectamos la Mac, la Digi02, y aunque finalmente no fue usado, conectamos el Adat. Utilizamos una manguera para así conectar la digi con la consola que pertenece al auditorio de Yatay. Una vez hecho el conexionado en la sala de control del auditorio, se optó por hacer la prueba de micrófonos donde tuvimos problemas de señal con algunos canales. Por ultimo, chequeamos la llegada de la señal en la Mac, asegurándonos así que estábamos listos para grabar.
Los músicos fueron llegando de a uno, primero el baterista, luego el clarinetista, y por ultimo el chelista. Al llegar el baterista, el mismo armó su batería con su acompañante para luego poder hacer el microfoneo del instrumento, y la prueba de sonido del mismo. Mientras realizábamos este proceso el clarinetista armó su instrumento, así que al finalizar con el baterista iniciamos la prueba con el clarinetista probando así diferentes variaciones en el microfoneo del instrumento. Al llegar el chelista, el mismo se posicionó y luego de hacer la prueba de su instrumento, se inició la prueba de sonido de la banda entera. Vale aclarar que mientras hacían la prueba de sonido, hicimos pruebas de grabación así de esta manera podíamos verificar que el sistema de grabación funcione correctamente y que los músicos estén conformes con el sonido logrado.
A la hora del show la luz se apagó dando así el comienzo del mismo. La grabación se logro casi sin picos, ni problemas. Al ver la pantalla de Pro Tools los profesores decían que la señal era demasiado pequeña y eso nos iba a ser un problema en el futuro, pero notamos que finalmente estaban equivocados ya que hoy en día la grabación tiene un buen rango dinámico.
Nicolás Ejchenbaun
viernes, 21 de agosto de 2009
Lista de Insumos y elementos para la presentación de proyecto final.
Subido por: Keila Fainstein
Grabación: Responsables: Nicolás Ejchenbaun, Tom Apkiewicz
1) 414 condencer (x2) – Producción musical
2) Pies Micrófonos (x10) – Audiovisual y Producción Musical
3) 57 (x2) – Producción Musical y Audiovisual
4) micrófono de bombo (x1) – Producción musical
5) mics aéreos (x2) – Producción musical
6) Kit Sanson – producción musical
7) Interfase de grabación (no se sabe cual todavía, la que haya) – Producción musical
8) Mac – Producción musical
9) Cables Canon-canon (todos) – Producción musical
10) Auriculares (x2) - Producción musical
11) Mic 58 (x2) – producción musical
12) Consola – auditorio
Filmación: Responsables: Victoria Grillo, Keila Fainstein
1) Filmadoras (x3) Producción Musical, Casera, y Audiovisual
2) Trípode móvil (con carrito) (x1) – audiovisual
3) Trípode estático (x1) – audiovisual (no es imprescindible pero por las dudas)
4) Persona auxiliar para hacerse cargo de la 3er cámara fija (Jonathan Fredikes)
5) Baterías cargadas (x6) – audiovisual
6) Mini DV (x6) – audiovisual
Iluminación: Responsable: Elías Saúl
1) Verificación de focos del auditorio en funcionamiento
2) Gelatinas (para color de la luz) – Audiovisual
3) Zapatilla – Producción musical
4) Consola de Iluminación – Auditorio
Diapositivas: Responsables: Victoria Grillo, Keila Fainstein
1) Notebook – Auditorio
2) Powerpoint
Fotografía:
Marcelo y el tío de Vicky Grillo tendrán sus propios equipos para sacar fotografías del show.
Grabación: Responsables: Nicolás Ejchenbaun, Tom Apkiewicz
1) 414 condencer (x2) – Producción musical
2) Pies Micrófonos (x10) – Audiovisual y Producción Musical
3) 57 (x2) – Producción Musical y Audiovisual
4) micrófono de bombo (x1) – Producción musical
5) mics aéreos (x2) – Producción musical
6) Kit Sanson – producción musical
7) Interfase de grabación (no se sabe cual todavía, la que haya) – Producción musical
8) Mac – Producción musical
9) Cables Canon-canon (todos) – Producción musical
10) Auriculares (x2) - Producción musical
11) Mic 58 (x2) – producción musical
12) Consola – auditorio
Filmación: Responsables: Victoria Grillo, Keila Fainstein
1) Filmadoras (x3) Producción Musical, Casera, y Audiovisual
2) Trípode móvil (con carrito) (x1) – audiovisual
3) Trípode estático (x1) – audiovisual (no es imprescindible pero por las dudas)
4) Persona auxiliar para hacerse cargo de la 3er cámara fija (Jonathan Fredikes)
5) Baterías cargadas (x6) – audiovisual
6) Mini DV (x6) – audiovisual
Iluminación: Responsable: Elías Saúl
1) Verificación de focos del auditorio en funcionamiento
2) Gelatinas (para color de la luz) – Audiovisual
3) Zapatilla – Producción musical
4) Consola de Iluminación – Auditorio
Diapositivas: Responsables: Victoria Grillo, Keila Fainstein
1) Notebook – Auditorio
2) Powerpoint
Fotografía:
Marcelo y el tío de Vicky Grillo tendrán sus propios equipos para sacar fotografías del show.
martes, 11 de agosto de 2009
4ta estación solicita
La 4ta Estacion necesita para el martes 18/8, en realizacion del simulacro de grabacion en vivo, dos camaras filmadoras.
La de produccion musical, y una de marcelo frydman.
La de produccion musical, y una de marcelo frydman.
Coordinación de los proximos días antes de la grabacion en vivo
Subido por: Keila Fainstein
Para el martes 11/8 :
- Llamar músicos para pedirles que (en lo posible) vengan al colegio a realizar una grabación previa, de no ser posible grabaremos el martes 18/8 en el auditorio de yatay con instrumentos del colegio, para probar microfoneo y grabación previo al show en vivo.
- Chequear reserva del auditorio para el martes 18/8
- Invitaciones para el show: Acordar encuentro con la diseñadora a través de Marcos, o Dani para una vez hecho el diseño y acordado el tipo de papel (junto con Laura -> diseñadora) hablar con Ale difonzo para mandar a Forum a hacer las 120 invitaciones, de ser posible para el lunes 17/8.
- Pasar a buscar el cd con fotos que los musicos nos tienen que proporcionar.
(hoy martes 11/8 se realizará de 13.00 hs a 14.30)
Para el martes 11/8 :
- Llamar músicos para pedirles que (en lo posible) vengan al colegio a realizar una grabación previa, de no ser posible grabaremos el martes 18/8 en el auditorio de yatay con instrumentos del colegio, para probar microfoneo y grabación previo al show en vivo.
- Chequear reserva del auditorio para el martes 18/8
- Invitaciones para el show: Acordar encuentro con la diseñadora a través de Marcos, o Dani para una vez hecho el diseño y acordado el tipo de papel (junto con Laura -> diseñadora) hablar con Ale difonzo para mandar a Forum a hacer las 120 invitaciones, de ser posible para el lunes 17/8.
- Pasar a buscar el cd con fotos que los musicos nos tienen que proporcionar.
(hoy martes 11/8 se realizará de 13.00 hs a 14.30)
martes, 4 de agosto de 2009
lunes, 13 de julio de 2009
viernes, 3 de julio de 2009
PEDIDO DE RECURSOS
En virtud de los pedidos acercados al martes 30 de junio, estos son los recursos asignados a cada grupo.
La 4ta estación tiene reservado al auditorio YATAY el martes 4 de 10:50 a 14:30 y para la GRABACION EN VIVO el martes 18 desde las 8 horas hasta las 15 horas.
DEBEN COORDINAR ENTRE EL GRUPO 4ta. estación y pinjas producciones, el uso de los micrófonos, debido a la cantidad de los mismos.
miércoles, 17 de junio de 2009
Cronograma de Grabación estudio
El martes 30 de junio y el martes 14 de julio el grupo pinjasproducciones, realizarán sus primeras grabaciones.
Debido al receso escolar la fecha del 14 de julio será pasada al 04 de agosto.
Debido al receso escolar la fecha del 14 de julio será pasada al 04 de agosto.
SIN USO DE AMBITOS DE PRODUCCION MUSICAL
EL MARTES 7 de JULIO NO SE PODRAN REALIZAR ACTIVIDADES DE PROYECTO FINAL EN LOS AMBITOS DE PRODUCCION MUSICAL, DEBIDO A QUE ESE DÍA SE REALIZAN LOS SEMINARIOS IVO PARA ELECCION DE ESPECIALIDAD.
martes, 16 de junio de 2009
Cronograma de Grabacion estudio
Martes 16 y martes 23 a las 10:55 horas y viernes 26 a las 12:15 horas del grupo klapauciusp.
lunes, 1 de junio de 2009
Informe De Grabacion (trabajo conjunto Apkiewicz-Paolini)
Grabación.
Camino de la señal.
Elementos:
· Guitarra (Micrófono al amplificador).
· Bajo (Por línea).
· Voz.
· Redoblante.
· HI HAT.
· Aéreos 1.
· Aéreos 2.
· TOM 1.
· TOM 2.
· TOM 3.
· RIDE.
· Bombo.
La grabación no es por simultáneo, si no cada instrumento por separado a excepción del bajo y los elementos de la batería.
Conectamos los micrófonos a la pachera de la sala y seleccionamos en la mixer mic o line según corresponda.
El monitoreo: Se mandan los elementos a monitorear a través del bus auxiliar. En la sala conectamos la caja de auriculares a las entradas de auriculares luego de pachearlo a esa entrada desde el control room.
Seleccionamos los canales a los sub masters que están normalizados a los canales de Pro Tools y seleccionamos las vueltas a otros canales. Esos últimos son mandados por el master para el monitoreo en el control room.
Técnicas de microfoneo:
Platillos (aéreos): Uno o más micrófonos son necesarios para reproducir, detalladamente, las transientes de alta frecuencia de los platillos, y para proveer un sonido del conjunto de la batería. Debido a las transientes, usualmente se eligen micrófonos de condensador por las características de su respuesta en las altas frecuencias. A pesar de que la elección de la posición de los micrófonos es muy subjetiva, existen dos métodos muy populares: el posicionamiento de 3 a 1, y el coincidente.
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de 3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de 3 cm. El micrófono debe ser apuntado para alcanzar la mejor separación de los otros cuerpos de la batería y los platillos. Es común que estos micrófonos sean cardiodes o hipercardiodes, con su ángulo de rechazo orientado al Hi-Hat o los toms, según las necesidades de separación. En determinados casos o estilos musicales, es necesario tener el sonido de la bordona un poco más presente en el sonido general. Esto puede obtenerse poniendo otro micrófono en la parte de abajo del tambor apuntando hacia arriba. Como el parche de abajo vibra con fase inversa al superior (180º), puede ser conveniente aplicar el inversor de fase en éste micrófono.
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de 3 cm sobre el aro. Esto da un sonido con ataque y poco tono, con menos resonancia del cuerpo. Esta distancia puede extenderse hasta 10cm, dando un sonido más vivo. Cuando es tomado por debajo del cuerpo, sin el parche inferior, se obtiene un sonido con menos ataque y con más tono. En caso de ser necesario para los toms de pie, se recomienda colocar el micrófono unos 3 o 4 centímetros más lejos, para captar un sonido más vivo y lleno.
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Camino de la señal.
Elementos:
· Guitarra (Micrófono al amplificador).
· Bajo (Por línea).
· Voz.
· Redoblante.
· HI HAT.
· Aéreos 1.
· Aéreos 2.
· TOM 1.
· TOM 2.
· TOM 3.
· RIDE.
· Bombo.
La grabación no es por simultáneo, si no cada instrumento por separado a excepción del bajo y los elementos de la batería.
Conectamos los micrófonos a la pachera de la sala y seleccionamos en la mixer mic o line según corresponda.
El monitoreo: Se mandan los elementos a monitorear a través del bus auxiliar. En la sala conectamos la caja de auriculares a las entradas de auriculares luego de pachearlo a esa entrada desde el control room.
Seleccionamos los canales a los sub masters que están normalizados a los canales de Pro Tools y seleccionamos las vueltas a otros canales. Esos últimos son mandados por el master para el monitoreo en el control room.
Técnicas de microfoneo:
Platillos (aéreos): Uno o más micrófonos son necesarios para reproducir, detalladamente, las transientes de alta frecuencia de los platillos, y para proveer un sonido del conjunto de la batería. Debido a las transientes, usualmente se eligen micrófonos de condensador por las características de su respuesta en las altas frecuencias. A pesar de que la elección de la posición de los micrófonos es muy subjetiva, existen dos métodos muy populares: el posicionamiento de 3 a 1, y el coincidente.
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de 3 a 1, deben apuntarse los micrófonos un poco hacia afuera. En el caso que se presenten problemas de fase, debidos a la diferencia en los tiempos de llegada de las ondas sonoras a cada micrófono, puede intentarse la ubicación de los micrófonos en un arreglo de par coincidente X/Y. De ésta manera se mantiene la imagen estéreo, y como los sonidos llegan casi al mismo tiempo a ambos micrófonos, se elimina el problema del desfase.
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de 3 cm. El micrófono debe ser apuntado para alcanzar la mejor separación de los otros cuerpos de la batería y los platillos. Es común que estos micrófonos sean cardiodes o hipercardiodes, con su ángulo de rechazo orientado al Hi-Hat o los toms, según las necesidades de separación. En determinados casos o estilos musicales, es necesario tener el sonido de la bordona un poco más presente en el sonido general. Esto puede obtenerse poniendo otro micrófono en la parte de abajo del tambor apuntando hacia arriba. Como el parche de abajo vibra con fase inversa al superior (180º), puede ser conveniente aplicar el inversor de fase en éste micrófono.
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de 3 cm sobre el aro. Esto da un sonido con ataque y poco tono, con menos resonancia del cuerpo. Esta distancia puede extenderse hasta 10cm, dando un sonido más vivo. Cuando es tomado por debajo del cuerpo, sin el parche inferior, se obtiene un sonido con menos ataque y con más tono. En caso de ser necesario para los toms de pie, se recomienda colocar el micrófono unos 3 o 4 centímetros más lejos, para captar un sonido más vivo y lleno.
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Para obtener una imagen estéreo más amplia cuando se utiliza un par en posicionamiento de
Tambor:
Debe hacerse un compromiso entre la ubicación ideal del micrófono y los movimientos del baterista. Por lo tanto, una de las primeras consideraciones es encontrar un lugar seguro para el micrófono, donde no sea golpeado por un pase de palillos.
Para un sonido de rock o pop, el micrófono es generalmente ubicado sobre el aro superior del tambor, a una distancia de
Hi-Hat:
El sonido del Hi-Hat está en el mismo rango general que el tambor, pero el Hi-Hat produce mucho más energía de alta frecuencia, mientras que el sonido del tambor está concentrado en el rango de frecuencias medias. Con el Hi-Hat deben considerarse cuatro puntos:
+ El sonido es más brillante sobre el borde del plato superior.
+ Ubicar el micrófono sobre el plato superior reproduce todos los matices del ataque del palillo.
+ La apertura y cierre del Hi-Hat produce ráfagas de aire, por lo tanto el micrófono no debería ubicarse directamente en los filos del plato.
+ Si se quiere utilizar un sólo micrófono para el tambor y el Hi-Hat, debería ubicarse equidistante de ambos y de espaldas a los tom-toms.
Tom-Toms:
Los toms Hi y Mid pueden microfonearse con dos micrófonos y como segunda posibilidad, también pueden microfonearse con un solo micrófono ubicado entre los dos. Cuando se toman en forma individual, el micrófono puede ubicarse cerca del parche superior a una distancia de
Bombo:
La reproducción de bajas frecuencias para altos niveles de presión es esencial para captar con calidad el sonido del bombo. Por lo tanto, debe utilizarse un micrófono diseñado para esta aplicación. Algunos micrófonos dinámicos de diafragma grande, como el AKG D-112 o D-12E, Electro-Voice RE-20, o el Beyer M-380 cumplen con éstas características de manera muy satisfactoria, ya que soportan altos niveles de presión con una respuesta extendida para las bajas frecuencias. Dentro del bombo, suele ubicarse una almohada o manta para amortiguar la resonancia del cuerpo, y dar un sonido más definido. Al ubicar el micrófono más cerca del parche batidor, se obtiene un sonido con más ataque y menos tono.
La guitarra para tomarla desde el amplificador se le coloca un micrófono dinámico y vas buscando el sonido, depende si la precisas más brillosa o más opaca, o sea con mas graves.
El bajo se grabaría por línea.
La voz se graba con un condensador, y la posición dependería del patrón polar del micrófono. En el caso de ser cardioide, se coloca de frente al cantante, a la altura de la boca.
Por supuesto, antes de grabar se deben de chequear los niveles para conseguir los mayores posibles sin que sature. Queremos conseguir el mayor nivel posible debido a que después tenemos más calidad con la que trabajar.
Una vez que grabamos debemos de realizar la mezcla, donde modificaremos niveles, usaremos paneos y ecualizaremos. El criterio general es conseguir el mejor sonido conjunto y priorizar la calidad del tema, no de cada cosa por separado.
Luego agregamos los efectos que buscamos para cada instrumento, distorsión, Chorus, Flanger, etc. Después realizamos la compresión y una vez en el mastering pasamos nuestro archivo al formato que va a figurar en el CD.
http://www.sonidoyaudio.com/foro/viewforum-forum:11.html
http://www.estudioveracruz.com/tecnicamicrofonobateria.html
http://autoproduction.abotch.com/es/pre-mastering-y-masterizacion.html
http://fdbaudio.blogspot.com/2009_02_08_archive.html
Consejos para la ecualización en la mezcla:
No hay una regla exacta para la ecualización de una grabación, porque todas son diferentes, aún así, he aquí un par de ayudas extraídas de un blog.
http://www.todoexpertos.com/categorias/tecnologia-e-internet/equipos-de-sonido/respuestas/298352/ecualizacion
50hz: Incrementándola se hacen notar mas el bombo, tombs y bajo.
Reducir los 50hz (aprox) permite tener líneas de bajo más reconocibles en el producto final, ya que aumentan los armónicos.
100hz: Incrementalo para dar mas cuerpo a guitarras y cajas, también para dar calidez a piano y metales. bajalo para dar CLARIDAD a las guitarras.
200hz: Aumentalo para dar relleno a voces, para endurecer guitarras y cajas..Reducir para eliminar el metal de los platillos.
400hz: Incrementar para dar claridad a las líneas de bajo
reducir para evitar bombos y tombs acartonados
reducir en platillos para eliminar ambiente
800hz: incrementar para dar ataque a los bajos
reducir para evitar el metal de las guitarras
3khz: aumentar para dar ataque a las guitarras y también para tener voces mas claras y crudas
reducir para eliminar guitarras y voces desafinadas.
5khz: incrementar para dar presencia a voces, para dar ataque a bombos, toms y para dar pegada a bajos funky, también da mas ataque a los teclados y deja mas brillante la guitarra eléctrica.
Reducir para ablandar guitarras.
7khz: aumentar para dar ataque a instrumentos de percusión.
10khz: aumentar para voces brillantes y guitarras muy brillantes, también para platillos mas duros y contundentes.
En el caso de los paneos, se intenta que la base rítmica quede al centro, luego el resto de los instrumentos a la hora de panearlos se intenta que queden balanceados, si yo tiro una guitarra a la derecha el teclado debería compensar a la izquierda. La voz, en caso de ser prioridad, va al centro junto con la base rítmica.
Para modificar niveles hay que tener en cuenta primero como esta grabado (capaz que queda un nivel más arriba de lo habitual) y también la jerarquía que se le quiere dar a cada elemento. Por ejemplo, uno intenta que la voz principal quede más fuerte que el resto.
Para masterizar encontré la siguiente cita de un foro:
Desde mi perspectiva lo primero que hay que tener claro es la diferencia que existe entre mezlcar y masterizar.
Si te vas por el lado de los plug ins (mediante un editor que permita su uso) el compresor multibanda de Waves C4 y Maximizador L1 (preferentemente como limitador para evitar picos) son herraminetas poderosas que pueden tanto darle ese toque maravilloso a nuestros temas o ehcarlos a perder completamente.
Como dicen, esto es algo que no se aprende en un foro pero que la información que aquí se comparte es una buena referencia, lo mejor es practicar e intentarlo, conocer bien nuestros altavoces y ubicar las limitaciones de nuestra instalación, como se ha dicho muchas veces, si se trata de algo profesional pues nada mejor que estudiar en forma o acudir con un profesional con todo lo que ello implica, ya que pueden encontrarte con un ingeniero de masterizacion que únicamente ecualize un poco y le meta un maximizador a topo para conseguir pegada en lugar de musicalidad...
Informe de sonido en vivo por Tom Apkiewicz
Para realizar el sonido en vivo es necesario tener en cuenta los siguientes:
Micrófonos
Cuánto dinero quiere gastar, dónde piensa usar su micrófono y para qué son las mayores consideraciones al momento de elegir entre dos tipos principales.
1. Dinámicos
Los micrófonos más comunes para configuraciones de música en vivo, los dinámicos, no requieren una fuente de energía o baterías para funcionar y son extremadamente duraderos. Los dinámicos pueden soportar altos niveles de presión de sonido, pero no funcionan bien con sonidos de alta frecuencia, silenciosos o distantes.
Cuando se usan en grabaciones, generalmente se usan con guitarras eléctricas, baterías y bajos.
2. Condensadores
Son livianos y eficientes para traducir señales en sonido. Los más grandes se usan más para voces porque ofrecen un sonido favorecedor, cálido, mientras que los condensadores más pequeños se usan cuando se necesitan frecuencias altas y precisión.
3. Modelos
Antes de comprar, pregúntese "¿voy a usar el micrófono para grabar, cantar o amplificar el sonido de un instrumento?" De ahí, verifique las recomendaciones de los fabricantes y de los expertos de modelos individuales diseñados con ese uso en mente. Puntos importantes para comparar de modelo a modelo: frecuencia, sensibilidad y restricciones.
Auriculares
1. Circumaural (Grandes)
Circumaural se refiere al modo en el cual los auriculares cubren sus oídos, en este caso, los rodea y los cubre con grandes auriculares acolchonados. Vienen en ambos modelos abiertos y cerrados.
2. Supra-aural (Chiquitos)
Estos auriculares se colocan sobre sus oídos y generalmente son más livianos y más cómodos de usar. Sin embargo, al no ofrecer demasiado aislamiento, si es que ofrecen algo, generalmente se usan en una configuración informal para escuchar o grabar música.
3. Entradas y calidad
Del mismo modo que con su interfaz de audio, asegúrese de contar con suficientes entradas para todos los micrófonos de los cuales está grabando. Y una vez más, cuanto más alta sea la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo de su grabador, mejor será la calidad y el verdadero sonido que grabará.
3. Parte trasera abierta
También llamadas aire libre, las partes traseras de los auriculares son abiertas y no aislantes. Dado a que permiten que los sonidos entren y salgan, no son una buena opción para la grabación en estudio. Sin embargo, le sirven a los DJ que quieren escuchar los sonidos circundantes al mismo tiempo que escuchan la música que están mezclando. Su sonido liviano mantiene la fatiga auditiva al mínimo así que pueden ser usados por períodos prolongados.
4 Cerrados
También llamados sellados, los auriculares están completamente cerrados y aíslan el sonido que pasa a través de los auriculares. Es ideal para grabar porque los sonidos no se filtran, que luego puedan ser captados por micrófonos cercanos; y por DJ que prefieren eliminar sonidos que los distraigan. Son conocidos por causar fatiga auditiva así que generalmente no se los usa por largos períodos de tiempo.
Mezcladores PA
Los mezcladores son un componente importante en un sistema PA. Puede sacar su sonido sin uno, pero puede afinar y controlar el sonido mucho más con uno. Piense en cuántas capacidades de enrutamiento necesita (la entrada y salida de cables y equipos) y luego vaya a comprar uno.
1. Analógico
Analógico no quiere decir antiguo. Muchas personas todavía son fanáticas de un sonido cálido, una respuesta inmediata y de los atenuadores dedicados que estos mezcladores con tablero de circuito ofrecen. Quienes quieren obtener mezclas simples, o quienes tienen muchos sintetizadores están a favor de los análogos.
2. Digitales
Un beneficio clave de los mezcladores digitales es su habilidad de programación. Puede guardar configuraciones de varios eventos, sesiones, inclusive de una canción a la otra y luego recordarlas fácilmente. También son pequeños y livianos, logrando que sean bastante portátiles, y la calidad de sonido ha mejorado durante los últimos años. A pesar de que los mezcladores digitales le brindan la opción de grabar su interpretación con rapidez, no puede realizar ajustes de la calidad de sonido tan rápido como en un analógico.
3. Activos
Los mezcladores activos son básicamente analógicos con mayor amplificación. Ofrecen el mismo tono cálido sin resonancia digital y son más portátiles. Además, son más rápidos y simples de ajustar y más duraderos.
Aunque tiene menos controles y obtiene una menor potencia que con un amplificador separado incorporado a un analógico, un mezclador activo de alta calidad es una buena opción para músicos que toquen en pequeños eventos; obtiene una combinación todo en uno con un mezclador, efectos y potencia a los altavoces.
Amplificadores de potencia
Los altavoces de un sistema PA se llevan toda la gloria, pero necesitan un amplificador de potencia para lucir sus habilidades. El amplificador de potencia adecuado debería elegirse junto con los altavoces, y aquí hay algunas consideraciones.
1. Vatios
Necesita asegurarse de que su amplificador de potencia pueda proporcionar tantos vatios como requiere el altavoz; algunos expertos sugieren que su amplificador debería producir el doble del promedio de vatios que el altavoz dice poder manejar. Los altavoces que obtienen muy poca potencia se dañan más que los que obtienen mucha.
2. Ohmios
La mayoría de los amplificadores de potencia de audio están diseñados para funcionar con 4, 8 o 16 ohmios de resistencia y la clasificación de ohmios de su amplificador de potencia debería coincidir con la de sus altavoces.
3. Cable
Al conectar el amplificador de potencia al altavoz es mejor usar un cable amplio dada la cantidad de electricidad que pasa de uno a otro. El amplificador tiene menos tensión y el sonido se transporta mejor a través de un cable ancho.
4. Mantenimiento
Al alimentar su sistema, el amplificador de potencia debería ser lo último que encienda y lo primero que apague para prevenir daños a los equipos conectados al mismo.
Altavoces
Al final, todo depende de los altavoces. Después de todo, es a donde todos recurren para escuchar el sonido. Sólo recuerde que no necesita llenar un escenario; siempre puede agregar altavoces a su sistema según lo necesite.
1. Vatios
Eventos de músicos con reservaciones para centenares de personas pueden requerir altavoces de 500 a 1,000 vatios o más. Pero para quienes toquen en su casa o en pequeñas actuaciones en una cafetería, de 300 a 500 vatios en un altavoz deberían ser suficientes.
2. Altavoces PA activos
Los altavoces activos pueden ser una opción conveniente ya que proveen todo lo que necesita en un solo gabinete. Eliminan las molestias de transportar amplificadores y cables pesados y tampoco se tiene que preocupar por hacer coincidir el amplificador de potencia con el altavoz. Sólo recuerde que requieren accesos a salidas eléctricas adicionales.
3. Subwoofer
Se usa para cuando se requiere una óptima reproducción de los sonidos de baja frecuencia.
Otro dato interesante que encontré fue como eliminar el feedback del monitoreo:
Para hacer esto es necesario tener el equipamiento adecuado, al escuchar el acople que se genera en el monitoreo uno debe usar su oído para registrar la frecuencia o de no ser habil al registrar frecuencias se puede usar un RTA ( Analiador en Tiempo Real). Una vez identificada la frecuencia se debe aplicar un filtro Notch, de Q pequeña y reducir 5 Db esa banda. Si la ecualizacion no sirve para eliminar el feedback se deberia reconsiderar rehacer el nivel de la ganancia de todos los canales.
Mezclar en vivo:
Al realizar mi investigación me tope con información que me nutrió acerca de la mezcla de sonido en vivo:
Para empezar, hay que tener en cuenta ciertos aspectos característicos del recinto en el cual ocurrirá el evento, como por ejemplo, la dimensión del mismo, la capacidad de aislamiento de las paredes, la forma del recinto para tener en cuenta los rebotes y la cantidad de gente que va a estar espectando.
Hay que tener en cuenta también que uno quiere amplificar los sonidos que no se oyen fácilmente en el recinto, como una voz, un bajo o una flauta por ejemplo, y no amplificar lo que no requiere amplificación, como una batería en un ambiente pequeño por ejemplo.
Preparacion y operación de maquinaria tecnologica para evento musical:
Al ver un show multimedial con sonido en vivo, uno observa que hay equipos, mezcladoras, amplificadores, micrófonos, altavoces y muchos cables distribuidos, pero para que todo llegue a su lugar y este en orden para funcionar se requiere una serie de pasos anteriores que son los siguientes:
Hacer una lista del equipamiento necesario para el evento
Revisar que este todo en condiciones
Transportar los equipos desde el deposito de equipos hasta el lugar donde va a formar parte el evento
Ubicar los equipos donde corresponden, teniendo en cuenta distancia entre instrumento y mixer en relacion a el largo de los cables y la distancia entre equipo y tension en relacion a la cantidad de zapatillas.
Enchufar a tension todos los equipos, conectar los instrumentos a los canales de la consola, los altavoces principales (para que escuche la gente) al Output Master, el monitoreo enviado por los auxiliares por la salida de auxiliar y si se va a grabar en una grabadora se envian los canales a grabar a los submasters y la salida del submaster a la entrada de la grabadora.
Se prenden los equipos, se prueba sonido, se deja la consola configurada para la ejecución en vivo ajustando el volumen a cada instrumento y ajustando la preamplificación a los micrófonos para que suenen con nivel pero que no saturen.
En caso de conectar procesadores, estos se usan a través de los auxiliares (por envío) y volver a la consola, o pueden ser por inserción y conectarlos directamente al canal deseado.
Micrófonos
Cuánto dinero quiere gastar, dónde piensa usar su micrófono y para qué son las mayores consideraciones al momento de elegir entre dos tipos principales.
1. Dinámicos
Los micrófonos más comunes para configuraciones de música en vivo, los dinámicos, no requieren una fuente de energía o baterías para funcionar y son extremadamente duraderos. Los dinámicos pueden soportar altos niveles de presión de sonido, pero no funcionan bien con sonidos de alta frecuencia, silenciosos o distantes.
Cuando se usan en grabaciones, generalmente se usan con guitarras eléctricas, baterías y bajos.
2. Condensadores
Son livianos y eficientes para traducir señales en sonido. Los más grandes se usan más para voces porque ofrecen un sonido favorecedor, cálido, mientras que los condensadores más pequeños se usan cuando se necesitan frecuencias altas y precisión.
3. Modelos
Antes de comprar, pregúntese "¿voy a usar el micrófono para grabar, cantar o amplificar el sonido de un instrumento?" De ahí, verifique las recomendaciones de los fabricantes y de los expertos de modelos individuales diseñados con ese uso en mente. Puntos importantes para comparar de modelo a modelo: frecuencia, sensibilidad y restricciones.
Auriculares
1. Circumaural (Grandes)
Circumaural se refiere al modo en el cual los auriculares cubren sus oídos, en este caso, los rodea y los cubre con grandes auriculares acolchonados. Vienen en ambos modelos abiertos y cerrados.
2. Supra-aural (Chiquitos)
Estos auriculares se colocan sobre sus oídos y generalmente son más livianos y más cómodos de usar. Sin embargo, al no ofrecer demasiado aislamiento, si es que ofrecen algo, generalmente se usan en una configuración informal para escuchar o grabar música.
3. Entradas y calidad
Del mismo modo que con su interfaz de audio, asegúrese de contar con suficientes entradas para todos los micrófonos de los cuales está grabando. Y una vez más, cuanto más alta sea la profundidad de bits y la frecuencia de muestreo de su grabador, mejor será la calidad y el verdadero sonido que grabará.
3. Parte trasera abierta
También llamadas aire libre, las partes traseras de los auriculares son abiertas y no aislantes. Dado a que permiten que los sonidos entren y salgan, no son una buena opción para la grabación en estudio. Sin embargo, le sirven a los DJ que quieren escuchar los sonidos circundantes al mismo tiempo que escuchan la música que están mezclando. Su sonido liviano mantiene la fatiga auditiva al mínimo así que pueden ser usados por períodos prolongados.
4 Cerrados
También llamados sellados, los auriculares están completamente cerrados y aíslan el sonido que pasa a través de los auriculares. Es ideal para grabar porque los sonidos no se filtran, que luego puedan ser captados por micrófonos cercanos; y por DJ que prefieren eliminar sonidos que los distraigan. Son conocidos por causar fatiga auditiva así que generalmente no se los usa por largos períodos de tiempo.
Mezcladores PA
Los mezcladores son un componente importante en un sistema PA. Puede sacar su sonido sin uno, pero puede afinar y controlar el sonido mucho más con uno. Piense en cuántas capacidades de enrutamiento necesita (la entrada y salida de cables y equipos) y luego vaya a comprar uno.
1. Analógico
Analógico no quiere decir antiguo. Muchas personas todavía son fanáticas de un sonido cálido, una respuesta inmediata y de los atenuadores dedicados que estos mezcladores con tablero de circuito ofrecen. Quienes quieren obtener mezclas simples, o quienes tienen muchos sintetizadores están a favor de los análogos.
2. Digitales
Un beneficio clave de los mezcladores digitales es su habilidad de programación. Puede guardar configuraciones de varios eventos, sesiones, inclusive de una canción a la otra y luego recordarlas fácilmente. También son pequeños y livianos, logrando que sean bastante portátiles, y la calidad de sonido ha mejorado durante los últimos años. A pesar de que los mezcladores digitales le brindan la opción de grabar su interpretación con rapidez, no puede realizar ajustes de la calidad de sonido tan rápido como en un analógico.
3. Activos
Los mezcladores activos son básicamente analógicos con mayor amplificación. Ofrecen el mismo tono cálido sin resonancia digital y son más portátiles. Además, son más rápidos y simples de ajustar y más duraderos.
Aunque tiene menos controles y obtiene una menor potencia que con un amplificador separado incorporado a un analógico, un mezclador activo de alta calidad es una buena opción para músicos que toquen en pequeños eventos; obtiene una combinación todo en uno con un mezclador, efectos y potencia a los altavoces.
Amplificadores de potencia
Los altavoces de un sistema PA se llevan toda la gloria, pero necesitan un amplificador de potencia para lucir sus habilidades. El amplificador de potencia adecuado debería elegirse junto con los altavoces, y aquí hay algunas consideraciones.
1. Vatios
Necesita asegurarse de que su amplificador de potencia pueda proporcionar tantos vatios como requiere el altavoz; algunos expertos sugieren que su amplificador debería producir el doble del promedio de vatios que el altavoz dice poder manejar. Los altavoces que obtienen muy poca potencia se dañan más que los que obtienen mucha.
2. Ohmios
La mayoría de los amplificadores de potencia de audio están diseñados para funcionar con 4, 8 o 16 ohmios de resistencia y la clasificación de ohmios de su amplificador de potencia debería coincidir con la de sus altavoces.
3. Cable
Al conectar el amplificador de potencia al altavoz es mejor usar un cable amplio dada la cantidad de electricidad que pasa de uno a otro. El amplificador tiene menos tensión y el sonido se transporta mejor a través de un cable ancho.
4. Mantenimiento
Al alimentar su sistema, el amplificador de potencia debería ser lo último que encienda y lo primero que apague para prevenir daños a los equipos conectados al mismo.
Altavoces
Al final, todo depende de los altavoces. Después de todo, es a donde todos recurren para escuchar el sonido. Sólo recuerde que no necesita llenar un escenario; siempre puede agregar altavoces a su sistema según lo necesite.
1. Vatios
Eventos de músicos con reservaciones para centenares de personas pueden requerir altavoces de 500 a 1,000 vatios o más. Pero para quienes toquen en su casa o en pequeñas actuaciones en una cafetería, de 300 a 500 vatios en un altavoz deberían ser suficientes.
2. Altavoces PA activos
Los altavoces activos pueden ser una opción conveniente ya que proveen todo lo que necesita en un solo gabinete. Eliminan las molestias de transportar amplificadores y cables pesados y tampoco se tiene que preocupar por hacer coincidir el amplificador de potencia con el altavoz. Sólo recuerde que requieren accesos a salidas eléctricas adicionales.
3. Subwoofer
Se usa para cuando se requiere una óptima reproducción de los sonidos de baja frecuencia.
Otro dato interesante que encontré fue como eliminar el feedback del monitoreo:
Para hacer esto es necesario tener el equipamiento adecuado, al escuchar el acople que se genera en el monitoreo uno debe usar su oído para registrar la frecuencia o de no ser habil al registrar frecuencias se puede usar un RTA ( Analiador en Tiempo Real). Una vez identificada la frecuencia se debe aplicar un filtro Notch, de Q pequeña y reducir 5 Db esa banda. Si la ecualizacion no sirve para eliminar el feedback se deberia reconsiderar rehacer el nivel de la ganancia de todos los canales.
Mezclar en vivo:
Al realizar mi investigación me tope con información que me nutrió acerca de la mezcla de sonido en vivo:
Para empezar, hay que tener en cuenta ciertos aspectos característicos del recinto en el cual ocurrirá el evento, como por ejemplo, la dimensión del mismo, la capacidad de aislamiento de las paredes, la forma del recinto para tener en cuenta los rebotes y la cantidad de gente que va a estar espectando.
Hay que tener en cuenta también que uno quiere amplificar los sonidos que no se oyen fácilmente en el recinto, como una voz, un bajo o una flauta por ejemplo, y no amplificar lo que no requiere amplificación, como una batería en un ambiente pequeño por ejemplo.
Preparacion y operación de maquinaria tecnologica para evento musical:
Al ver un show multimedial con sonido en vivo, uno observa que hay equipos, mezcladoras, amplificadores, micrófonos, altavoces y muchos cables distribuidos, pero para que todo llegue a su lugar y este en orden para funcionar se requiere una serie de pasos anteriores que son los siguientes:
Hacer una lista del equipamiento necesario para el evento
Revisar que este todo en condiciones
Transportar los equipos desde el deposito de equipos hasta el lugar donde va a formar parte el evento
Ubicar los equipos donde corresponden, teniendo en cuenta distancia entre instrumento y mixer en relacion a el largo de los cables y la distancia entre equipo y tension en relacion a la cantidad de zapatillas.
Enchufar a tension todos los equipos, conectar los instrumentos a los canales de la consola, los altavoces principales (para que escuche la gente) al Output Master, el monitoreo enviado por los auxiliares por la salida de auxiliar y si se va a grabar en una grabadora se envian los canales a grabar a los submasters y la salida del submaster a la entrada de la grabadora.
Se prenden los equipos, se prueba sonido, se deja la consola configurada para la ejecución en vivo ajustando el volumen a cada instrumento y ajustando la preamplificación a los micrófonos para que suenen con nivel pero que no saturen.
En caso de conectar procesadores, estos se usan a través de los auxiliares (por envío) y volver a la consola, o pueden ser por inserción y conectarlos directamente al canal deseado.
martes, 26 de mayo de 2009
informe de Rafael Elías Saúl
Informe de proyecto final de Rafael Elías Saúl:
En este informe se presentara información acerca de los tipos de formatos de video y de audio, sus respectivas características, los códecs y sus utilidades.
VIDEO
Existen tres formatos de vídeo de gran uso hoy en día: el QuickTime Movie (MOV), el AVI y el correspondiente al estándar MPEG. El formato QuickTime Movie (MOV), creado por Apple, es multiplataforma y en sus versiones más recientes permite interactuar con películas en 3D y realidad virtual. El AVI (Audio Video Interleaved, audio vídeo intercalado) es un formato también multiplataforma. Tanto *.avi como *.mov son contenedores de audio y vídeo con lo que son formatos de fichero, a este fichero habría que especificarle el tipo de video o audio que está conteniendo y que puede ser sin compresión o con la compresión soportada por dicho fichero como pueden ser para los *.avi el divx, Dv-pal, etc. y para *.mov el sorenson, H264, etc. El formato correspondiente al estándar MPEG (Moving Pictures Experts Group) produce una compresión de los datos con una pequeña pérdida de la calidad; desde su creación, se ha definido el MPEG-1, utilizado en CD-ROM y Vídeo CD, el MPEG-2, usado en los DVD de Vídeo y la televisión digital, y el MPEG-4, que se emplea para transmitir vídeo e imágenes en ancho de banda reducido; es un formato adecuado para distribuir multimedia en la Web. El formato MPEG4 es la base de actuales formatos como el divx xvid o el H264 siendo este último (H264) un códec tan potente que soporta vídeos de gran formato y calidad excelente con anchos de banda muy reducidos. Además de esos formatos existen otros con una influencia parecida: el DV, el WMV y el Flash Video. Sin embargo, DV es el más utilizado ya que las videocámaras miniDV son las más comunes en el mercado y utilizan este formato
El desarrollo de Internet ha propiciado formatos que permiten visualizar vídeos a través de la red, sin tener que descargar previamente el archivo completo; para esta finalidad, la empresa RealNetworks ha establecido RealVideo y Microsoft su formato de vídeo correspondiente al Windows Media Player (Reproductor de Windows Media), ambos con gran futuro en el desarrollo de la distribución de vídeo en tiempo real a través de Internet.
Para ver los vídeos en el ordenador es necesario tener instalado el software de reproducción adecuado. Actualmente suelen facilitarlo las distintas empresas, bien con el sistema operativo, bien como una herramienta a la que se puede acceder de forma gratuita.
MPEG: Acrónimo de Moving Picture Experts Group (Grupo de Expertos en Imágenes en Movimiento). Es un sistema de compresión de datos, utilizado preferente con videos, que ofrece tres ventajas fundamentales: gran nivel de compresión, escasa pérdida de calidad y compatibilidad con formatos de video. Ofrece tres niveles de compresión, 1, 2, 3 y 4, los cuales se diferencias por la calidad de la imagen y el ancho de banda necesario para su transmisión.
AVI (Audio Video Interleave, 'intercalado de audio y video' )es un formato de archivo contenedor de audio y vídeo lanzado por Microsoft en 1992
El formato AVI fue definido por Microsoft para su tecnología Video for Windows en 1992. Posteriormente fue mejorado mediante las extensiones de formato del grupo OpenDML de la compañía Matrox. Estas extensiones están soportadas por Microsoft, aunque no de manera oficial, y son denominadas AVI 2.0.
El formato avi permite almacenar simultáneamente un flujo de datos de video y varios flujos de audio. El formato concreto de estos flujos no es objeto del formato AVI y es interpretado por un programa externo denominado códec. Es decir, el audio y el video contenidos en el AVI pueden estar en cualquier formato (AC3/DivX, u MP3/Xvid, entre otros). Por eso se le considera un formato contenedor.
Para que todos los flujos puedan ser reproducidos simultáneamente es necesario que se almacenen de manera entrelazada. De esta manera, cada fragmento de archivo tiene suficiente información como para reproducir unos pocos fotogramas junto con el sonido correspondiente.
Obsérvese que el formato AVI admite varios flujos de datos de audio, lo que en la práctica significa que puede contener varias bandas sonoras en varios idiomas. Es el reproductor multimedia quien decide cuál de estos flujos debe ser reproducido, según las preferencias del usuario.
Los archivos AVI se dividen en fragmentos bien diferenciados denominados chunks. Cada chunk tiene asociado un identificador denominado etiqueta FourCC. El primer fragmento se denomina cabecera y su papel es describir meta-información respecto al archivo, por ejemplo, las dimensiones de la imagen y la velocidad en fotogramas por segundo. El segundo chunk contiene los flujos entrelazados de audio y video. Opcionalmente, puede existir un tercer chunk que actúa a modo de índice para el resto de chunks.
Definición de ASF:
(Advanced Streaming Format) Formato de video digital desarrollado por Microsoft especialmente usado en Streaming
Streaming: Término que se refiere a ver u oír un archivo directamente en una página Web sin necesidad de descargarlo al computador ni de instalar algún software especial. Como los archivos de video tienden a ser grandes y su descarga como paquete completo resulta lenta si no se tiene una conexión a Internet de banda ancha, esta tecnología permitió que con conexiones de 128 Kbps se puedan ver, aceptablemente, videos en sitios especializados como YouTube, que ofrece sus contenidos con esta tecnología.
Formatos:
ASF
Avi
.mov
IFF
Ogg
OGM
Matroska (mkv)
3GP
AUDIO:
Definición de MP3:
MPEG-1 Audio Layer 3, más conocido como MP3, es un formato de audio digital comprimido con pérdida desarrollado por el Moving Picture Experts Group (MPEG) para formar parte de la versión 1 (y posteriormente ampliado en la versión 2) del formato de vídeo MPEG. El mp3 estándar es de 44 KHz y un bitrate de 128 kbps por la relación de calidad/tamaño. Su nombre es el acrónimo de MPEG-1 Audio Layer 3 y el término no se debe confundir con el de reproductor MP3.
Definición de AAC:
(Advanced Audio Coding). AAC es uno de los formatos de compresión de audio definidos por el estándar MPEG-2.
AAC a veces es referido como MPEG-2 NBC (not backwords compatible) porque no es compatible con el esquema de codificación del MPEG-1.
AAC posee más alta calidad de audio que los MP3, requiriendo un 30% menos de datos.
AAC es el códec por defecto de los Apple iTunes usado cuando se guarda audio de los CDs a la computadora.
Definición de MIDI:
Musical Instrument Digital Interface. Protocolo estándar industrial que define cada nota musical de forma precisa permitiendo que los distintos instrumentos musicales electrónicos y las computadoras puedan intercambiar información musical entre ellos.
Fue inicialmente propuesto por Dave Smith en 1981 y su primera especificación fue publicada en agosto de 1983.
Los archivos en computadora con formato MIDI tienen la extensión .mid
Definición de OGG:
1. Ogg es un estándar abierto y libre que funciona como formato contenedor multimedia desarrollado por la fundación Xiph.Org.
Es un formato muy eficiente para la transmisión (streaming) y para la compresión de los datos contenidos.
El nombre "Ogg" hace referencia al formato de archivo que puede multiplexar un número separado de códecs abiertos de audio, video y texto de forma independiente.
Por lo general los archivos poseen la extensión ".ogg".
2. El término "oog" también es usado para hacer referencia al formato de audio Vorbis (que está contenido dentro del Ogg). Ver Vorbis.
Definición de RealAudio:
Formato de audio desarrollado por RealNetworks. Utiliza una variedad de códecs de audio que permiten tal compresión como para hacer streaming a través de dialup. Incluso muchas estaciones de radio de internet utilizan RealAudio para transmitir sus programas en tiempo real.
Puede asociarse con el RealVideo para formar un archivo RealMedia.
Utilizan la extensión ".ra" para sus archivos de audio.
Definición de Vorbis:
Vorbis es un códec de audio de código abierto y gratuito, con compresión con pérdida de calidad desarrollado por la fundación Xiph.Org con el objetivo de reemplazar al MP3.
Suele ser usado en conjunto con los archivos contenedores Ogg, y entonces es llamado Ogg Vorbis.
La idea de Vorbis comenzó en septiembre de 1998, luego de que los dueños del MP3 anunciaran planes para cobrar licencias por el uso de su formato de audio. Tiempo después su creador, Christopher Montgomery, comenzó a trabajar en el proyecto, que creció rápidamente asistido por otros desarrolladores. Su primera versión estable (la 1.0) fue lanzada el 19 de julio de 2002.
La última versión oficial es la 1.1.2 lanzada el 28 de noviembre de 2005, pero existen algunas versiones separadas que ofrecen mejores prestaciones, entre ellas aoTuV.
Definición de Wav:
(Wave) Formato y extensión de archivos de sonido creado por Microsoft para Windows aunque también es utilizado en otros sistemas operativos.
Formatos de audio:
AAC
MIDI
MP3
OGG
RealAudio
Vorbis
Wav
Wavepack
WMA
CÓDECS
Un CODEC es un programa informático codificador y decodificador que permite comprimir y codificar video, sonido o cualquier tipo de información en su propio formato y, a la vez, permite decodificarlo y descomprimirlo, permitiendo su visualización. Las siglas CODEC vienen del juego de palabras COdificador-DECodificador.
De otra forma, se puede decir que un CODEC no es más que una herramienta que permite transformar información en algún otro elemento, más sencillo de almacenar y transmitir, para, después volver a transformarlo a su forma original para poder ser utilizado.
El principal problema de los programas CODEC es que la mayoría de ellos pierden algo de información durante el proceso de codificación y decodificación. Sin embargo, existen algunos más sofisticados que son capaces de realizar su cometido sin la pérdida de ningún tipo de información, reproduciendo con exactitud la información original tras el proceso de codificación y decodificación.
Existen dos tipos de CODEC en función de cómo realizan su cometido. Así, el CODEC puede ser transformador, en cuyo caso la operación se basa en la ordenación más eficiente de la información para ahorrar espacio de almacenaje. Por otro lado, el CODEC puede ser predictor, en cuyo caso la operativa se basa en la eliminación de toda aquella información que no es esencial a la que requiere ser codificada, y que, sin embargo, se encontraba almacenada junto a ésta. También puede existir una combinación de estos dos tipos de CODEC, con lo que las ventajas se combinan y los riesgos o desventajas se reducen.
Hoy en día se pueden encontrar cientos de programas CODEC a través de Internet, con lo que su utilización se está generalizando entre los usuarios de equipos informáticos.
El primer programa CODEC que gozó de cierta popularidad fue el programa MPEG, en tres variantes distintas:
- El MPEG-1: el cuál ganó popularidad por contener el programa MP3, que con el tiempo se ha convertido en el CODEC de audio por antonomasia.
- El MPEG-2: Es el CODEC más aconsejable a la hora de utilizar DVDs.
- El MPEG-4: Sería como un paso más allá del MPEG-2. Incluye programas CODEC que gozan de gran popularidad, como podrían ser el programa DivX.
En la actualidad vivimos en una sociedad en la que el almacenamiento y transmisión de archivos de sonido o video se ha convertido en una necesidad imperante, asociada a un límite de espacio evidente. Por ello, los programas CODEC se han generalizado entre todos los usuarios de equipos informáticos.
A esto habría que añadir la elevada tasa de innovación tecnológica, que hace prever una mejora tecnológica continua en este tipo de programas.
Por otra parte, los compañeros María Victoria Grillo, Keila Fainstein y Nicolás Ejchenbaum trabajaran con un editor de audio y video llamado: Adobe Premiere Pro 2.0, por eso, se verán a continuación los formatos compatibles con este programa.
Formatos compatibles con el Premiere Pro 2.0:
.ai
.prtl
.pic, .pct, .pict
.aif, .aiff
.avi
.pcx
.bmp, .dib, .rle
.wav
.tga, .icb, .vst, .vda
.ico
.tif, .tiff
.eps
.mp3, .mpeg, .mpg, .mpa, .mpe (audio MP3)
.gif
.flm
.png
.jpg, .jpe, .jpeg, .jfif
.mpeg, .mpe, .mpg, .m2v, .mpa, (película MPEG)
.mov
.psd
.dlx
.wmv, .wma, .asf
.aaf
En este informe se presentara información acerca de los tipos de formatos de video y de audio, sus respectivas características, los códecs y sus utilidades.
VIDEO
Existen tres formatos de vídeo de gran uso hoy en día: el QuickTime Movie (MOV), el AVI y el correspondiente al estándar MPEG. El formato QuickTime Movie (MOV), creado por Apple, es multiplataforma y en sus versiones más recientes permite interactuar con películas en 3D y realidad virtual. El AVI (Audio Video Interleaved, audio vídeo intercalado) es un formato también multiplataforma. Tanto *.avi como *.mov son contenedores de audio y vídeo con lo que son formatos de fichero, a este fichero habría que especificarle el tipo de video o audio que está conteniendo y que puede ser sin compresión o con la compresión soportada por dicho fichero como pueden ser para los *.avi el divx, Dv-pal, etc. y para *.mov el sorenson, H264, etc. El formato correspondiente al estándar MPEG (Moving Pictures Experts Group) produce una compresión de los datos con una pequeña pérdida de la calidad; desde su creación, se ha definido el MPEG-1, utilizado en CD-ROM y Vídeo CD, el MPEG-2, usado en los DVD de Vídeo y la televisión digital, y el MPEG-4, que se emplea para transmitir vídeo e imágenes en ancho de banda reducido; es un formato adecuado para distribuir multimedia en la Web. El formato MPEG4 es la base de actuales formatos como el divx xvid o el H264 siendo este último (H264) un códec tan potente que soporta vídeos de gran formato y calidad excelente con anchos de banda muy reducidos. Además de esos formatos existen otros con una influencia parecida: el DV, el WMV y el Flash Video. Sin embargo, DV es el más utilizado ya que las videocámaras miniDV son las más comunes en el mercado y utilizan este formato
El desarrollo de Internet ha propiciado formatos que permiten visualizar vídeos a través de la red, sin tener que descargar previamente el archivo completo; para esta finalidad, la empresa RealNetworks ha establecido RealVideo y Microsoft su formato de vídeo correspondiente al Windows Media Player (Reproductor de Windows Media), ambos con gran futuro en el desarrollo de la distribución de vídeo en tiempo real a través de Internet.
Para ver los vídeos en el ordenador es necesario tener instalado el software de reproducción adecuado. Actualmente suelen facilitarlo las distintas empresas, bien con el sistema operativo, bien como una herramienta a la que se puede acceder de forma gratuita.
MPEG: Acrónimo de Moving Picture Experts Group (Grupo de Expertos en Imágenes en Movimiento). Es un sistema de compresión de datos, utilizado preferente con videos, que ofrece tres ventajas fundamentales: gran nivel de compresión, escasa pérdida de calidad y compatibilidad con formatos de video. Ofrece tres niveles de compresión, 1, 2, 3 y 4, los cuales se diferencias por la calidad de la imagen y el ancho de banda necesario para su transmisión.
AVI (Audio Video Interleave, 'intercalado de audio y video' )es un formato de archivo contenedor de audio y vídeo lanzado por Microsoft en 1992
El formato AVI fue definido por Microsoft para su tecnología Video for Windows en 1992. Posteriormente fue mejorado mediante las extensiones de formato del grupo OpenDML de la compañía Matrox. Estas extensiones están soportadas por Microsoft, aunque no de manera oficial, y son denominadas AVI 2.0.
El formato avi permite almacenar simultáneamente un flujo de datos de video y varios flujos de audio. El formato concreto de estos flujos no es objeto del formato AVI y es interpretado por un programa externo denominado códec. Es decir, el audio y el video contenidos en el AVI pueden estar en cualquier formato (AC3/DivX, u MP3/Xvid, entre otros). Por eso se le considera un formato contenedor.
Para que todos los flujos puedan ser reproducidos simultáneamente es necesario que se almacenen de manera entrelazada. De esta manera, cada fragmento de archivo tiene suficiente información como para reproducir unos pocos fotogramas junto con el sonido correspondiente.
Obsérvese que el formato AVI admite varios flujos de datos de audio, lo que en la práctica significa que puede contener varias bandas sonoras en varios idiomas. Es el reproductor multimedia quien decide cuál de estos flujos debe ser reproducido, según las preferencias del usuario.
Los archivos AVI se dividen en fragmentos bien diferenciados denominados chunks. Cada chunk tiene asociado un identificador denominado etiqueta FourCC. El primer fragmento se denomina cabecera y su papel es describir meta-información respecto al archivo, por ejemplo, las dimensiones de la imagen y la velocidad en fotogramas por segundo. El segundo chunk contiene los flujos entrelazados de audio y video. Opcionalmente, puede existir un tercer chunk que actúa a modo de índice para el resto de chunks.
Definición de ASF:
(Advanced Streaming Format) Formato de video digital desarrollado por Microsoft especialmente usado en Streaming
Streaming: Término que se refiere a ver u oír un archivo directamente en una página Web sin necesidad de descargarlo al computador ni de instalar algún software especial. Como los archivos de video tienden a ser grandes y su descarga como paquete completo resulta lenta si no se tiene una conexión a Internet de banda ancha, esta tecnología permitió que con conexiones de 128 Kbps se puedan ver, aceptablemente, videos en sitios especializados como YouTube, que ofrece sus contenidos con esta tecnología.
Formatos:
ASF
Avi
.mov
IFF
Ogg
OGM
Matroska (mkv)
3GP
AUDIO:
Definición de MP3:
MPEG-1 Audio Layer 3, más conocido como MP3, es un formato de audio digital comprimido con pérdida desarrollado por el Moving Picture Experts Group (MPEG) para formar parte de la versión 1 (y posteriormente ampliado en la versión 2) del formato de vídeo MPEG. El mp3 estándar es de 44 KHz y un bitrate de 128 kbps por la relación de calidad/tamaño. Su nombre es el acrónimo de MPEG-1 Audio Layer 3 y el término no se debe confundir con el de reproductor MP3.
Definición de AAC:
(Advanced Audio Coding). AAC es uno de los formatos de compresión de audio definidos por el estándar MPEG-2.
AAC a veces es referido como MPEG-2 NBC (not backwords compatible) porque no es compatible con el esquema de codificación del MPEG-1.
AAC posee más alta calidad de audio que los MP3, requiriendo un 30% menos de datos.
AAC es el códec por defecto de los Apple iTunes usado cuando se guarda audio de los CDs a la computadora.
Definición de MIDI:
Musical Instrument Digital Interface. Protocolo estándar industrial que define cada nota musical de forma precisa permitiendo que los distintos instrumentos musicales electrónicos y las computadoras puedan intercambiar información musical entre ellos.
Fue inicialmente propuesto por Dave Smith en 1981 y su primera especificación fue publicada en agosto de 1983.
Los archivos en computadora con formato MIDI tienen la extensión .mid
Definición de OGG:
1. Ogg es un estándar abierto y libre que funciona como formato contenedor multimedia desarrollado por la fundación Xiph.Org.
Es un formato muy eficiente para la transmisión (streaming) y para la compresión de los datos contenidos.
El nombre "Ogg" hace referencia al formato de archivo que puede multiplexar un número separado de códecs abiertos de audio, video y texto de forma independiente.
Por lo general los archivos poseen la extensión ".ogg".
2. El término "oog" también es usado para hacer referencia al formato de audio Vorbis (que está contenido dentro del Ogg). Ver Vorbis.
Definición de RealAudio:
Formato de audio desarrollado por RealNetworks. Utiliza una variedad de códecs de audio que permiten tal compresión como para hacer streaming a través de dialup. Incluso muchas estaciones de radio de internet utilizan RealAudio para transmitir sus programas en tiempo real.
Puede asociarse con el RealVideo para formar un archivo RealMedia.
Utilizan la extensión ".ra" para sus archivos de audio.
Definición de Vorbis:
Vorbis es un códec de audio de código abierto y gratuito, con compresión con pérdida de calidad desarrollado por la fundación Xiph.Org con el objetivo de reemplazar al MP3.
Suele ser usado en conjunto con los archivos contenedores Ogg, y entonces es llamado Ogg Vorbis.
La idea de Vorbis comenzó en septiembre de 1998, luego de que los dueños del MP3 anunciaran planes para cobrar licencias por el uso de su formato de audio. Tiempo después su creador, Christopher Montgomery, comenzó a trabajar en el proyecto, que creció rápidamente asistido por otros desarrolladores. Su primera versión estable (la 1.0) fue lanzada el 19 de julio de 2002.
La última versión oficial es la 1.1.2 lanzada el 28 de noviembre de 2005, pero existen algunas versiones separadas que ofrecen mejores prestaciones, entre ellas aoTuV.
Definición de Wav:
(Wave) Formato y extensión de archivos de sonido creado por Microsoft para Windows aunque también es utilizado en otros sistemas operativos.
Formatos de audio:
AAC
MIDI
MP3
OGG
RealAudio
Vorbis
Wav
Wavepack
WMA
CÓDECS
Un CODEC es un programa informático codificador y decodificador que permite comprimir y codificar video, sonido o cualquier tipo de información en su propio formato y, a la vez, permite decodificarlo y descomprimirlo, permitiendo su visualización. Las siglas CODEC vienen del juego de palabras COdificador-DECodificador.
De otra forma, se puede decir que un CODEC no es más que una herramienta que permite transformar información en algún otro elemento, más sencillo de almacenar y transmitir, para, después volver a transformarlo a su forma original para poder ser utilizado.
El principal problema de los programas CODEC es que la mayoría de ellos pierden algo de información durante el proceso de codificación y decodificación. Sin embargo, existen algunos más sofisticados que son capaces de realizar su cometido sin la pérdida de ningún tipo de información, reproduciendo con exactitud la información original tras el proceso de codificación y decodificación.
Existen dos tipos de CODEC en función de cómo realizan su cometido. Así, el CODEC puede ser transformador, en cuyo caso la operación se basa en la ordenación más eficiente de la información para ahorrar espacio de almacenaje. Por otro lado, el CODEC puede ser predictor, en cuyo caso la operativa se basa en la eliminación de toda aquella información que no es esencial a la que requiere ser codificada, y que, sin embargo, se encontraba almacenada junto a ésta. También puede existir una combinación de estos dos tipos de CODEC, con lo que las ventajas se combinan y los riesgos o desventajas se reducen.
Hoy en día se pueden encontrar cientos de programas CODEC a través de Internet, con lo que su utilización se está generalizando entre los usuarios de equipos informáticos.
El primer programa CODEC que gozó de cierta popularidad fue el programa MPEG, en tres variantes distintas:
- El MPEG-1: el cuál ganó popularidad por contener el programa MP3, que con el tiempo se ha convertido en el CODEC de audio por antonomasia.
- El MPEG-2: Es el CODEC más aconsejable a la hora de utilizar DVDs.
- El MPEG-4: Sería como un paso más allá del MPEG-2. Incluye programas CODEC que gozan de gran popularidad, como podrían ser el programa DivX.
En la actualidad vivimos en una sociedad en la que el almacenamiento y transmisión de archivos de sonido o video se ha convertido en una necesidad imperante, asociada a un límite de espacio evidente. Por ello, los programas CODEC se han generalizado entre todos los usuarios de equipos informáticos.
A esto habría que añadir la elevada tasa de innovación tecnológica, que hace prever una mejora tecnológica continua en este tipo de programas.
Por otra parte, los compañeros María Victoria Grillo, Keila Fainstein y Nicolás Ejchenbaum trabajaran con un editor de audio y video llamado: Adobe Premiere Pro 2.0, por eso, se verán a continuación los formatos compatibles con este programa.
Formatos compatibles con el Premiere Pro 2.0:
.ai
.prtl
.pic, .pct, .pict
.aif, .aiff
.avi
.pcx
.bmp, .dib, .rle
.wav
.tga, .icb, .vst, .vda
.ico
.tif, .tiff
.eps
.mp3, .mpeg, .mpg, .mpa, .mpe (audio MP3)
.gif
.flm
.png
.jpg, .jpe, .jpeg, .jfif
.mpeg, .mpe, .mpg, .m2v, .mpa, (película MPEG)
.mov
.psd
.dlx
.wmv, .wma, .asf
.aaf
lunes, 25 de mayo de 2009
BIBLIOGRAFIA PARA VIDEO MULTIMEDIA Y SONIDO
Realizacion de audiovisuales
http://www.pangea.org/peremarques/
http://www.internetcampus.com/index.htm
Producción de video BURROWS
Preproducción multimedial – Magal
El manual de producción para video y televisión – Herbert Zeitl
La luz en el tiempo Eli Sirly
Escenografía Calmert
Pensar la Imagen – Zunzwegui – 15 – Editorial Signo e Imágen
El montaje – Villain – 34 - Editorial Signo e Imágen
La producción cinematográfica – Cabeza, Vedia – 57 - Editorial Signo e Imágen
La luz en el cine DÁllowen - 78 - Editorial Signo e Imágen
La voz en el cine – Michel Chion – 80 - Editorial Signo e Imágen
Formatos
http://www.megaservice.com.ar/index2.html
Documentos de ADOBE sobre formatos
prem7_dvforcps_w_ue.pdf
dvdprimer_0306.pdf
hdprimer_0306.pdf
audaudioprimer.pdf
dvprimer_0306.pdf
compprimer_0306.pdf
Conversión de vídeo a MPG01.htm
http://www.pangea.org/peremarques/
http://www.internetcampus.com/index.htm
Producción de video BURROWS
Preproducción multimedial – Magal
El manual de producción para video y televisión – Herbert Zeitl
La luz en el tiempo Eli Sirly
Escenografía Calmert
Pensar la Imagen – Zunzwegui – 15 – Editorial Signo e Imágen
El montaje – Villain – 34 - Editorial Signo e Imágen
La producción cinematográfica – Cabeza, Vedia – 57 - Editorial Signo e Imágen
La luz en el cine DÁllowen - 78 - Editorial Signo e Imágen
La voz en el cine – Michel Chion – 80 - Editorial Signo e Imágen
Formatos
http://www.megaservice.com.ar/index2.html
Documentos de ADOBE sobre formatos
prem7_dvforcps_w_ue.pdf
dvdprimer_0306.pdf
hdprimer_0306.pdf
audaudioprimer.pdf
dvprimer_0306.pdf
compprimer_0306.pdf
Conversión de vídeo a MPG01.htm
martes, 19 de mayo de 2009
Informe: Grabación
Subido por: Nicolas Ejchenbaun
Informe: Grabación.
Equipamiento:
- 2 SM81
- AKG 414
- SM58
Camino de la señal:
SM81 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
SM58 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
AKG 414 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
Microfoneo:
Para microfonear al piano utilizamos 2 micrófonos SM81 en posición XY, y también un micrófono SM58, en la parte de abajo. Para la voz de la cantante, utilizamos un micrófono de condensador AKG 414.
Seteo de Pro Tools con la mesa de grabación:
Los canales 1 y 2 de la mixer no andaban en el momento de la grabación, esa es la razón por la cual tuvimos que hacer uso de los siguientes canales.
Mixer: 3 4 5 6
VOZ PIANO PIANO PIANO
Pro Tools: 1 2 3 4
VOZ PIANO PIANO PIANO
Pro Tools (RETURN): 9 10 11 12
VOZ PIANO PIANO PIANO
Submasters: 3 4 5 6
VOZ PIANO PIANO PIANO
Realizamos la grabación por separado a pedido de la cantante, ya que su voz no estaba en sus mejores momentos, y eso impedía que esta cante el tema entero. Primero fue grabado el piano, y luego de este la voz. Le enviamos al pianista la voz de la cantante por los auriculares, haciendo uso de los buses auxiliares, para que este se sienta mas comodo. Luego la cantante grabó su voz haciendo uso de auriculares con la pista del piano grabada anteriormente.
El contacto con los músicos fue positivo. Las primeras tomas de la voz no le gustaron a la cantante, asi que seguimos grabando para luego conseguir la toma que quedo en el tema. La cantante requirió de una pastilla para el cuidado de su voz, y el pianista tuvo inconvenientes con su retorno, pero después se resolvió.
Informe: Grabación.
Equipamiento:
- 2 SM81
- AKG 414
- SM58
Camino de la señal:
SM81 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
SM58 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
AKG 414 --> PACHERA --> CONSOLA --> PRO TOOLS --> MIXER
Microfoneo:
Para microfonear al piano utilizamos 2 micrófonos SM81 en posición XY, y también un micrófono SM58, en la parte de abajo. Para la voz de la cantante, utilizamos un micrófono de condensador AKG 414.
Seteo de Pro Tools con la mesa de grabación:
Los canales 1 y 2 de la mixer no andaban en el momento de la grabación, esa es la razón por la cual tuvimos que hacer uso de los siguientes canales.
Mixer: 3 4 5 6
VOZ PIANO PIANO PIANO
Pro Tools: 1 2 3 4
VOZ PIANO PIANO PIANO
Pro Tools (RETURN): 9 10 11 12
VOZ PIANO PIANO PIANO
Submasters: 3 4 5 6
VOZ PIANO PIANO PIANO
Realizamos la grabación por separado a pedido de la cantante, ya que su voz no estaba en sus mejores momentos, y eso impedía que esta cante el tema entero. Primero fue grabado el piano, y luego de este la voz. Le enviamos al pianista la voz de la cantante por los auriculares, haciendo uso de los buses auxiliares, para que este se sienta mas comodo. Luego la cantante grabó su voz haciendo uso de auriculares con la pista del piano grabada anteriormente.
El contacto con los músicos fue positivo. Las primeras tomas de la voz no le gustaron a la cantante, asi que seguimos grabando para luego conseguir la toma que quedo en el tema. La cantante requirió de una pastilla para el cuidado de su voz, y el pianista tuvo inconvenientes con su retorno, pero después se resolvió.
martes, 28 de abril de 2009
ACTIVIDAD N° 2
Actividad N° 2
1) Posibilidades de nombres del grupo: "ke vinito", "algún día", "la cuarta estación"
Nombre elegido:"la cuarta estación"
1) Posibilidades de nombres del grupo: "ke vinito", "algún día", "la cuarta estación"
Nombre elegido:"la cuarta estación"
2) Composición: Tom y Nico
Coordinación: Vicky, Kei y Nico
Sonido: Tom y Nico
Video: Kei y Vicky
Grabación: Tom y Nico
Producción: Todos
Otros: Buscar presupuestos, averiguaciones paralelas, contratar personas, luces, actuación y musicos: Kei, Vicky y Elías
3) Estimular a los espectadores con diferentes cosas, a partir de "un día real" en cada estación del año. A lo largo del show hacer: en un "día" simbolizar un año y las diferentes estaciones que surgen, haciendoles sentir a los espectadores cosas características de cada estación.
4) Sincronización, división de tareas, composición de la obra conceptual, estimación de los tiempos y respeto de los mismos, edición, aprender a manipular algunas sensaciones corporales, manejo de la iluminación, etc.
lunes, 27 de abril de 2009
Trabajo 0
En el siguiente link se encuentra el primer trabajo para proyecto final de Ana, Ayu, Hernán y Nicolás.
http://www.slideshare.net/secret/BuFwbEdYye8sLV
http://www.slideshare.net/secret/BuFwbEdYye8sLV
miércoles, 15 de abril de 2009
Bienvenidos
Este blog pretende ser un medio de comunicación para informarse sobre el estado de avance de los distintos proyectos de la materia proyecto final.
La idea es que cada clase quede volcada en este blog, entradas con las distintas actividades realizadas por los diferentes grupos, comunicando los logros e inconvenientes ocasionados para la realización de la tarea.
El objetivo es que cualquier integrante de los grupos esten al tanto de todo el proyecto.
Daniel Burin
La idea es que cada clase quede volcada en este blog, entradas con las distintas actividades realizadas por los diferentes grupos, comunicando los logros e inconvenientes ocasionados para la realización de la tarea.
El objetivo es que cualquier integrante de los grupos esten al tanto de todo el proyecto.
Daniel Burin
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